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“Dedico este trabajo a la enseñanza pública”
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José Antonio Cuadrado, escultor

“Dedico este trabajo a la enseñanza pública”

LOCAL
Actualizado 28/02/2013
Miguel Corral

Tras su incursión en la pintura, sumerge ahora su creatividad en la escultura y presenta una exposición en la Galería de Arte Adolfo Sánchez de la capital salmantina

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Nació en Bilbao hace 50 años, muy lejos de su Vitigudino, el pueblo que le vio crecer desde la niñez y el que lleva allá donde se encuentre. Profesor de Dibujo Técnico e Informática en el IES Campo Charro, de La Fuente de San Esteban, José Antonio Cuadrado ha recibido más de una decena de premios importantes por sus trabajos de aplicación a la docencia, una faceta en la que siempre ha predominado su creatividad. No en vano estudió Bellas Artes y sus incursiones en el grabado y la pintura, y más tarde su trabajo en la investigación para la creación de aplicaciones web para la enseñanza del dibujo técnico, le han conducido hacia la segunda de las artes, la escultura.

Desde el 1 de abril, la Galería de Arte Adolfo Sánchez (C/Zamora, 65, Salamanca) alberga entre sus paredes la primera exposición de escultura de José Antonio Cuadrado. Abierta al público durante todo el mes en horario comercial, la muestra ofrece una interesante colección de obras cuya forma y volumen se sobreponen a lo abstracto. Otra de las singularidades de esta exposición es que, además de la observación presencial, propone una visita virtual que permite al público interactuar con las obras mediante tecnología de 'realidad aumentada'.

¿Has hecho exposiciones de grabado, pintura y por qué ahora escultura?

Estudié Bellas Artes y conocí varias formas de manifestación artística, como comentas. He experimentado alguna de ellas y ahora le toca a la escultura. Esta muestra es fruto de un corto espacio de tiempo de elaboración pero de un largo periodo de concepción que se materializa en este momento. Además de profesor de dibujo, llevo diez años dedicado a la elaboración de materiales educativos multimedia para dibujo, lo que sin duda también ha contribuido a la concepción de estos espacios y volúmenes. Esto, unido al trabajo en espacios virtuales, con tecnologías como la realidad aumentada, me ha llevado a plantear esta doble muestra física y virtual a la vez.

¿Cómo definirías la obra que presentas?

Lo definiría como un juego racional con la geometría, la forma, el volumen? en el terreno de la abstracción.

Predominan las líneas rectas, horizontales, verticales o diagonales; aristas puras, ángulos rectos, planos que se entrelazan? Algunas piezas son cerradas, no tienen principio ni fin, encierran el espacio, pero otras se abren liberando tensiones y energía.

Decía Julio González que "la escultura es el matrimonio entre el volumen y el espacio". Pues mi escultura es un poco eso, en ocasiones surgen abrazos, tensiones, torsiones, acoplamientos?

Me familiarizo en parte con movimientos como el constructivismo ruso, bauhaus, minimalismo, conceptual, escultura arquitectónica, abstracción?

¿Referentes escultóricos?

En primer lugar, mi paisano Ángel Mateos. El hacer la página web de su museo me permitió estudiar su obra más intensamente. También dos escultores que me han emocionado e iniciado en esta aventura, José Luis Casas y Arturo Berned, además de los clásicos; Chillida, por su espontaneidad y su gesto, y Oteiza, por su racionalidad y geometría, pero hay más.

¿Qué pretendes con esta exposición?

La idea es forzar una reflexión sobre el mundo virtual y el mundo físico.

El uso de entornos creativos virtuales condiciona el resultado de una obra, al igual que lo ha hecho a lo largo de la historia el uso de las herramientas que cada época ha puesto al alcance de los artistas, pero lo novedoso de las herramientas actuales es que también modifican el modo en el que el espectador se relaciona con ellas.

En esta muestra propongo un juego, donde el espectador puede ser protagonista del proceso creativo manipulando aspectos de la escultura que tradicionalmente han estado al alcance únicamente del creador, como son la escala y, por lo tanto, la navegación y el volumen, así como la ubicación modificando espacios y entornos, incluso los materiales.

[Img #10616]¿Por qué utilizas medios digitales para producir algo material?

Los soportes digitales no sólo son herramientas, sino medios de creación.

No se puede ignorar los medios existentes en cada momento si queremos ser contemporáneos. Actualmente hemos pasado de una estética de lo visual a una estética de lo interactivo, el espectador es ahora usuario.

El soporte digital es la herramienta más inmediata para comunicarme, me permite una posterior materialización de la idea, y el propio proceso en ocasiones modifica el modelo virtual.

Pero en esta exposición doy un paso más y mediante la realidad aumenta, lo más novedoso como herramienta digital actualmente, creo las piezas y las coloco en un entorno sin necesidad de materializarlas, ofreciendo al visitante la posibilidad de interactuar con ellas: verlas en el lugar que yo las he instalado, manipular su escala, o incluso colocarlas en el salón de su casa? Digamos que el visitante reinterpreta la escultura, modifica espacios nuevos y se partícipe del proceso.

Como dijo el filósofo Xavier zubiri: "No es lo mismo estar en el espacio que ocuparlo".

Si el estado más puro de la creación se produce en la mente del escultor, donde la forma en sí es lo más importante, y si el propio proceso aleja inevitablemente al autor de su idea primaria, relacionar al público con ese estado inicial será la forma de sentir plenamente el acto creativo.

Estas herramientas abren ante nuestros ojos la oportunidad de trasladar conceptos como espacio, volumen, transitabilidad, interralación y simbolismo a un mundo diferente al que conocemos, a un mundo virtual.

Conceptos como navegación, equivalente a transitable; volúmenes virtuales equivalente a volúmenes físicos; el geo posicionamiento equivalente a nociones de espacio, nos permiten a través de dispositivos portátiles concebirla y sentirla en cierta parte de nuestra percepción, lo que sin duda formará parte de nuestra realidad tarde o temprano.

Es un poco lo que han venido haciendo las religiones evocando mundos virtuales mediante los medios que su tiempo les ofrecía, simbolismo, perspectiva en edificios religiosos, teatro? Lo que es nuevo es la forma de visualizar esas ideas y conceptos, que cada vez acercan más a ambos mundos.

¿El anverso de la tarjeta de la exposición contiene un catálogo en realidad aumentada, puedes explicarlo un poco?

La idea surge de mi propio proceso creativo. Enlazando con lo dicho anteriormente, pretende cerrar el círculo: imagen mental, proyección digital, construcción física, exposición física y exposición virtual.

Creo que la realidad aumentada es una forma perfecta de hacer un catálogo tridimensional interactivo, que cualquiera puede visitar desde su móvil. La escultura necesita ser observada desde varios puntos de vista, orbitando a su alrededor respecto a todos sus ejes, y esto no es posible mediante la imagen plana de un catálogo tradicional.

Es sencillo, sólo hay que instalar una aplicación gratuita en el móvil que se llama ar-media y descargar las piezas directamente con los códigos QR de la tarjeta de la exposición, y proyectar esas imágenes en 3d sobre el marcador situado encima de los códigos QR.

También podemos deshabilitar la geolocalización y situar así las piezas donde queramos.

Aunque es sencillo, en la web de la exposición, en la pestaña 'Realidad Aumentada', se explica el procedimiento.

[Img #10617]¿Cómo es tu proceso creativo?

En primer lugar parto de una idea, o de otra pieza anterior, la plasmo en programas digitales para modelarla y hago múltiples versiones hasta que me satisface, que nunca acaba de hacerlo plenamente.

Una vez superada esta primera fase, intuitiva y difícil, la someto a un proceso en el que estudio sus proporciones matemáticamente, aplicando secciones áureas, rectángulos dinámicos?, para lograr composiciones más armónicas. En bastantes ocasiones la pieza mejora considerablemente, pero en otras desando el camino y me salto las proporciones para potenciar la expresividad de la pieza, liberar tensiones, generar movimiento...

Cuando la forma la tengo clara la construyo en madera, un proceso más relajado en el que el inconsciente y la casualidad hacen su pequeña aportación, y a partir de ese momento la pieza cobra vida, se comunica conmigo mostrándome perspectivas que ni yo mismo había contemplado, es el momento más interesante creativamente hablando. No recuerdo de quien es la frase "cuando la materia termina comienza el arte".

Me interesa mucho cómo percibimos el espacio dependiendo del punto de vista que adoptamos y de lo que el cerebro cree que está viendo. En la exposición hay tres piezas iguales colocadas en posiciones diferentes, y a pesar de que están colocadas muy cerca, los visitantes no se dan cuenta de esto. Aunque nosotros vemos en tres dimensiones, siempre orbitamos alrededor de un eje vertical, si lo cambiamos varía por completo la percepción de ese espacio.

En la exposición hay un montaje interesante sobre esto y que invito a descubrir.

¿Qué materiales utilizas en tu obra?

Me siento muy cómodo trabajando la madera, siempre he estado en contacto con este material, mi familia siempre ha estado relacionada con el mundo del mueble. Me permite inmediatez, es muy agradecida, y sobre todo sale íntegramente de mis manos, lo que me facilita seguir creando durante el proceso y cambiar la pieza a medida que la construyo. Es un material que no me condiciona a la hora de crear. En algunas piezas la beta de la madera me distrae en exceso y entonces la patino, o incluso la reproduzco en otro material como el acero corten.

Con la madera es como si cerrase el círculo de mi proceso creativo, corto un árbol seco, lo troceo en tablones, estos a su vez en listones cuadrados, que son la unidad básica y modular de mis composiciones, los corto y ensamblo de nuevo creando estructuras nuevas, árboles nuevos?.

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¿Todas las obras son de tamaños reducidos, no te gustaría experimentar otras escalas?

El tamaño, los materiales utilizados para esta exposición, así como la seriación de cada una de las piezas, hacen la obra más accesible para todo el público, para ser disfrutada en cualquier casa.

En principio hago piezas de tamaño reducido para estudiar la forma, algunas me piden tamaños mayores y experimentar con otros materiales, pero la mayoría funcionan bien así.

De todas formas como he explicado antes, pretendo que el espectador se transforme en usuario y decida sobre conceptos como escala, ubicación y materiales. Cada obra está limitada a una serie de ocho piezas, que pueden ser únicas gracias a la interacción del usuario.

Algunas esculturas podrían construirse como edificios, ¿tienen que ver con la arquitectura?

Gaudí decía que la arquitectura es la ordenación de la luz y la escultura es el juego de la luz.

Son cosas diferentes aunque en ocasiones se funden y se alimentan mutuamente. Si a la arquitectura la liberamos de su lógica funcionalidad y a la escultura de la representación, ambas irían de la mano.

Algunas de estas esculturas las considero habitables, por eso están más ligadas a la arquitectura, sin ser ese el fin que las generó.

Siempre me ha fascinado la arquitectura y tanto mi trabajo como las aplicaciones educativas que desarrollo están ligadas a ella.

¿Hasta cuándo se puede visitar la exposición?

La exposición física estará abierta todo el mes de abril en la galería Adolfo, en la calle Zamora, 65 de Salamanca.

Y La exposición virtual se puede disfrutar desde la tarjeta que se recoge en la galería o desde la web de la exposición.

No todo el mundo es sensible ante el arte abstracto. ¿Qué consejo le darías al visitante de tu exposición?

Pues que intente ver la obra sin prejuicios, que sienta los volúmenes y espacios que encierran, y que se abran a los sentimientos que les transmitan.

Una pieza musical, o el canto de un pájaro, son elementos abstractos, sin embargo, por estar más familiarizados con ellos, los abordamos sin prejuicios y disfrutamos con ellos. Estas son estructuras nuevas, no existentes anteriormente, por lo que requieren su descubrimiento.

Kandinsky, artista abstracto del silgo XX, ejemplificó lo que comento de esta manera:

"Cuando tenemos una conversación interesante con una persona, intentamos bucear en su alma, buscamos su rostro interior, sus pensamientos y sentimientos y no pensamos que está utilizando palabras compuestas de letras, que éstas no son más que sonidos que exigen la aspiración de aire por los pulmones, que producen una vibración y que llegan a nuestra consciencia y obtienen un efecto nervioso. Sabemos que todas estas partes son completamente secundarias, puramente accesorias en nuestra conversación, que las utilizamos como medios externos y que lo esencial del diálogo es la comunicación de ideas y sentimientos."

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